LA SEXUALIDAD COMO REVOLUCIÓN.

Por Aylin Karely Cuahuey Marmolejo, Ana Leonor Hernández Diaz, Stephany Alvarado Camarillo, Valeria Celis Sánchez, Kenia Flores López.

 Reseña a la película Y Tú Mamá También. 

Y tu mamá también (2001), dirigida por Alfonso Cuarón, es una de las películas más representativas del nuevo cine mexicano. Protagonizada por Gael García Bernal como Julio Zapata, Diego Luna como Tenoch Iturbide y Maribel Verdú como Luisa Cortés, la cinta se sitúa en un México de transición política y social, marcado por el fin de la hegemonía priista y la llegada de una aparente democracia. Estrenada justo en el cambio de milenio, la película retrata una juventud que creció entre la globalización, la desigualdad y la desilusión, buscando en el placer y la experiencia corporal una forma de autenticidad en medio de un país fragmentado. 

 Desde su primera secuencia, Cuarón propone una mirada íntima y sin filtros sobre el deseo y la cotidianidad. La historia de dos adolescentes que emprenden un viaje con una mujer mayor no solo funciona como una comedia de iniciación, sino también como un espejo de la sociedad mexicana. El tono naturalista, los diálogos improvisados y la voz en off omnisciente que interrumpe el relato principal le otorgan una dimensión casi documental. En este contexto, la sexualidad se convierte en un lenguaje de resistencia, en una manera de afirmar la existencia frente a un entorno donde la juventud no encuentra modelos claros de permanencia ni ideales por los cuales luchar. Julio y Tenoch representan dos clases sociales enfrentadas: el primero pertenece a una familia de clase media, mientras que el segundo es hijo de un político influyente. Sus cuerpos, sin embargo, se igualan en el terreno del deseo. El sexo entre ellos, con Luisa o entre sí, es un espacio donde las jerarquías se suspenden, aunque solo de manera temporal. 

Fig. 1: Tenoch, Luisa y Julio bailando. Y tu mamá también. Alfonso Cuarón. (2001)

En esa dimensión efímera del placer se esconde la revolución íntima de la película: los personajes, al entregarse al deseo, desafían las estructuras sociales que los determinan. Pero Cuarón no romantiza esta libertad. La voz en off recuerda constantemente que fuera del coche, en las carreteras que cruzan el país, persisten la pobreza, la corrupción, el desempleo y la violencia. Así, mientras los protagonistas viven su pequeña utopía hedonista, México continúa girando en torno a las mismas desigualdades históricas. En el año 2000, cuando Y tu mamá también fue filmada, el país experimentaba un cambio político con la elección de Vicente Fox, el primer presidente de un partido distinto al PRI en más de setenta años. Sin embargo, la película sugiere que el cambio fue más simbólico que real. La juventud de Julio y Tenoch, marcada por el desencanto y el cinismo, refleja una generación que creció sin grandes ideales colectivos. 

En ese vacío, la sexualidad aparece como una forma de protesta silenciosa, una manera de afirmar la vida en un contexto donde las promesas de progreso se habían desvanecido. El cuerpo se convierte en un refugio, pero también en un campo de batalla emocional. Luisa, interpretada magistralmente por Maribel Verdú, encarna la madurez y la finitud. Su decisión de acompañar a los jóvenes en el viaje es también una despedida. Ella es consciente de su enfermedad, y esa conciencia la lleva a vivir el deseo con una urgencia vital que los muchachos aún no comprenden. En sus encuentros sexuales no hay perversión ni culpa, sino una búsqueda de conexión humana. Luisa introduce a los protagonistas en una comprensión más amplia del placer: uno que no se limita al cuerpo, sino que implica el reconocimiento del otro y del propio paso del tiempo. Su figura es la que articula el sentido profundo de la película, pues a través de ella, Julio y Tenoch confrontan no solo su amistad y su atracción, sino también su miedo a la soledad y a la muerte. 

 La sexualidad en Y tu mamá también funciona, entonces, como una forma de permanencia en medio de la fugacidad. Los personajes intentan atrapar un momento de intensidad que les permita sentirse vivos, aunque saben que esa experiencia no puede durar. Al final, la relación entre Julio y Tenoch se disuelve, como el país que parecía renovarse pero que sigue dividido. Cuarón utiliza la estructura del viaje para mostrar que toda travesía hacia la madurez implica pérdida: la inocencia, la amistad y la idea de que el deseo puede salvarnos. Visualmente, la película construye esta idea a través de una cámara que parece observar sin intervenir. El trabajo del director de fotografía Emmanuel Lubezki es esencial: la cámara en mano, los largos planos secuencia y la luz natural otorgan a la película un tono de realismo sucio, casi doméstico, que contrasta con la belleza del paisaje mexicano. En ese contraste se inscribe también la dualidad del país y de sus personajes: la tensión entre el deseo de libertad y la imposibilidad de alcanzarla completamente. 

Fig. 2: Tenoch, Luis y Julio en una lancha en playa de Boca del Cielo. Y tu mamá también. Alfonso Cuarón. (2001)

Cada parada en el camino revela un México distinto, desde comunidades rurales marginadas hasta playas desiertas que simbolizan la utopía del placer sin consecuencias. Sin embargo, cuando finalmente llegan a la playa de Boca del Cielo, el paraíso prometido, la utopía se desmorona. El acto sexual entre los tres, lejos de ser una liberación total, marca el final del viaje. Al día siguiente, Luisa desaparece y los muchachos regresan a la ciudad, donde el silencio entre ellos anuncia el fin de su amistad. Meses después, se reencuentran brevemente, y el narrador revela que Luisa murió poco después de aquel viaje. La escena final, sobria y dolorosa, confirma que la revolución del deseo fue momentánea, pero también necesaria: les permitió vivir algo verdadero en un mundo que tiende a lo superficial. En última instancia, Y tu mamá también propone que la sexualidad, más que un acto de placer, es un acto de resistencia. 

Fig. 3: Tenoch, Luisa y Julio emprenden el viaje por carretera. Y tu mamá también. Alfonso Cuarón. (2001)

Frente a la fugacidad de la juventud, el cuerpo se vuelve un medio para dejar huella, para buscar una forma de permanencia emocional. Cuarón retrata a una generación que no cree en las revoluciones políticas, pero que encuentra en lo íntimo, en el deseo compartido, una posibilidad de autenticidad. En la relación entre Julio, Tenoch y Luisa se condensa la paradoja de una época: la libertad alcanzada a través del deseo y la inevitable pérdida que esa misma libertad conlleva. De esta manera, la película se mantiene como un retrato atemporal de la juventud mexicana, una obra que trasciende su contexto para hablar de la condición humana en su búsqueda constante de significado. Y tu mamá también no ofrece respuestas ni moralejas, sino una mirada honesta sobre la forma en que los cuerpos, al encontrarse y separarse, intentan resistir el olvido. La sexualidad aparece así como la revolución más íntima y la única permanencia posible en un mundo en constante cambio.

Cuarón, A. (Director). (2001). Y tu mamá también [Película]. Anhelo Producciones / IFC Films.

Acevedo-Muñoz, E. R. (2004). Buñuel and Mexico: The Crisis of National Cinema. University of California Press.

(Contiene un análisis sobre el cine mexicano post-1990 y menciona cómo Cuarón renueva el lenguaje nacional desde una mirada global.)

Acevedo-Muñoz, E. R. (2007). “Sex, Class and Mexico: The Sexual Politics of Y tu mamá también.” Film Quarterly, 60(4), 23–33.

https://doi.org/10.1525/fq.2007.60.4.23

(Ensayo académico clave sobre cómo la película usa la sexualidad como metáfora de la desigualdad social en México.)

De la Mora, S. (2006). Cinemachismo: Masculinities and Sexuality in Mexican Film. University of Texas Press.

(Analiza cómo el cine mexicano, incluido Y tu mamá también, representa la masculinidad y el deseo en contextos políticos cambiantes.)

García Tsao, L. (2001). “Y tu mamá también: la juventud como metáfora nacional.” Revista Dicine, 14(3), 45–49.

(Artículo crítico mexicano que aborda la relación entre juventud, sexualidad y la transición política del país.)

Reseña de Película "El secreto de sus ojos"

Por Aylin Karely Cuahuey Marmolejo, Ana Leonor Hernández Diaz, Stephany Alvarado Camarillo, Valeria Celis Sánchez, Kenia Flores López.

El secreto de sus ojos (2009) es una película argentina, la cual explora las injusticias, la corrupción política y la obsesión mediante un crimen cometido y la búsqueda de respuestas. La historia está dividida en dos líneas temporales; la primera en 1974, año donde se comete un crimen feminicida contra Liliana Coloto, en el cual Benjamín Espósito quien es un agente judicial se ve involucrado para resolver; años después, en 1999, Benjamín al querer escribir una novela del caso, trata de resolver las preguntas no resueltas, regresando al pasado y contactándose con su colega y amor imposible, Irene Menéndez.

En esta reseña analizaré el cómo los colores, el tipo de planos y los objetos presentados en pantalla son una narración visual que hablan de sentimientos, personalidad y deseos que presenta el personaje de Benjamín Espósito, respecto a Irene, haciendo hincapié en su incapacidad de avanzar y tener una vida nueva.

Dirigida por Juan José Campanella, coescrita por él y Eduardo Sacheri, quién es el escritor de la novela que dió inspiración a la película “La pregunta de sus ojos”, producida por el director. Fue una película con un gran peso actoral, el personaje de Benjamín Espósito fue interpretado por Ricardo Darín; Soledad Villamil interpretó a Irene Menéndez; por otro lado, Pablo Rago le dio vida a Ricardo Morales. Esta obra fue aclamada por su gran técnica y narrativa, ganó el premio Oscar a mejor película extranjera en 2010, al igual que triunfó en los Ariel, BAFTA, etc. 

Benjamín es un agente judicial, personaje que se aferra a los problemas, situaciones y casos que no logró resolver en el pasado, por ejemplo, el caso de Liliana Colotto que aunque descubre al culpable, debido al sistema corrupto, no le dan una sentencia merecida; problema que lo persigue al grado de que después de una década, él quiera escribir una novela sobre aquello y buscar más respuestas. Sin embargo, no solo es una persona atascada en el sentido laboral, sino que también en el romántico; en la misma época en la que sucede el caso criminal, él conoce a su compañera Irene Menéndez, con quien va a desarrollar sentimientos afectivos, sin embargo, como en otros aspectos de su vida, no podrá definir su relación con ella y después de años seguirá con un ámbito más de su vida sin cerrar. 

Para comprobar y entender aquel punto, sin suponer, es necesario analizar visualmente al personaje de Irene; la paleta de colores de Irene está basada en su mayoría, en colores rojos y tonos variantes de este, como el naranja. La primera vez que Espósito ve a Irene, va vestida casi completamente de color rojo, convirtiéndolo en una característica de ella (ver Fig. 1). 

Fig. 1: Primer día de Irene Menéndez en el trabajo. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

Eso último se confirma cuando Espósito visita a Irene en su trabajo años después, ahí podemos observar que tanto ella y su despacho están vestidas con tonalidades rojizas (ver Fig. 2). Se puede conocer que este factor fue muy importante para la caracterización del personaje, porque en su escritorio tiene fotografías en donde los niños que salen junto a ella están vestidos de tonos oscuros, totalmente neutros, sin embargo, Irene está vestida nuevamente de rojo, siendo un factor totalmente planeado por parte de dirección (ver Fig. 2.1).

Fig. 2: Irene en su despacho es visitada por Benjamín. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

Fig. 2.1: Benjamín e Irene conversan. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

A lo largo de la película, específicamente en la primer línea de tiempo, cuando Irene y Benjamín hablan, ella es encuadrada desde el ángulo sobre el hombro y en primeros planos (ver Fig. 3), o bien, planos medios cortos. Lo primero con el objetivo de darle una sensación al espectador de espiar una conversación, donde los personajes están cómodos entre ellos, sacando al espectador de aquella interacción. Por otra parte, el segundo aspecto puede reflejar la cercanía que siente Benjamín hacia ella. 

Fig. 3: Irene y Benjamín conversan. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

En el año 1974 se muestra en una toma con plano general, el departamento de Benjamín; es una escena donde su colega, Pablo Sandoval está en ese espacio, lo interesante es que a pesar de que la sala está muy oscura, no solo se ilumina el personaje de Pablo, sino que también cae una ligera luz cálida, arriba de una lámpara roja/naranja (ver Fig. 4). Podría ser un objeto sin narrativa alguna, sin embargo, al ser del mismo color que la vestimenta de Irene y estar enfatizada por medio de la iluminación de ese espacio, se interpreta que es un elemento intrínsecamente relacionado a Irene y al afecto que tiene Benjamin hacia ella. 

Fig. 4: Pablo Sandoval descansa en la sala de Benjamín. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

Años después, en 1999, al inicio de la película se muestra la lámpara;  se presenta en primer plano en una toma general, dando luz cálida; se puede ver a Espósito detrás, a una distancia relativamente lejos, iluminado con luces frías (ver Fig. 5). Esto crea contraste entre el objeto y el personaje, creando una metáfora de la lejanía que hay entre Espósito e Irene, ya que, él se jubiló y no se han visto en un tiempo; todo aquello entendido gracias al contexto de la película completa. También nos habla de que a pesar de los años, Benjamín sigue pensando en ella, Irene sigue siendo parte de él y este último se ha quedado atrapado en los momentos que estuvo cerca de ella como colega; nos habla de un personaje que no logra ni tiene interés en avanzar, además de que mantiene asuntos sin terminar, como su relación con Irene y el caso de Liliana Coloto. 

Fig. 5: Benjamín escribe su novela. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

La idea de que la lámpara representa a Irene se confirma cuando en la madrugada de una noche, Irene llama a Benjamín por teléfono y mientras mantienen una conversación, se puede ver a Benjamín siendo enfocado y detrás de él se observa a la lámpara en un segundo plano (ver Fig. 6); de esa manera, sabemos que aquel objeto representa a Irene en el espacio del protagonista; por otro lado, nos habla de que empiezan a acercarse ambos personajes, ya que, esta vez la distancia entre Espósito y la lámpara son distintas a como fue en el inicio.

Fig. 6: Benjamín habla con Irene por teléfono. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

Momentos después, cerca del final, Irene va al departamento de Benjamín, allí observamos que no solo tiene una lámpara del color representativo de ella, sino que tiene más objetos que remiten a ella, como almohadas, decoraciones (ver Fig. 7). Reforzando la idea de que Espósito es una persona que se aferra al pasado y expresa sus sentimientos por medio de objetos y no les da resolución inmediata.

Fig. 7: Irene sentada en el departamento de Benjamín. El secreto de sus ojos. Juan José Campanella. (2009)

En conclusión, los objetos de esta película nos hablan totalmente de la situación afectiva entre los personajes, además de la distancia que existe o no entre ellos; lo primero se logra por la caracterización y colores representativos del personaje de Irene, mostrándonos que es un factor narrativo; además de que el uso de ciertos planos describen, de igual forma, el cómo es percibida por el protagonista. 

Referencias

Autor, S. (s.f.). Elenco y equipo completo. Obtenido de IMDb: https://www.imdb.com/es/title/tt1305806/fullcredits/?ref_=tt_ov_sm_3#amzn1.imdb.concept.name_credit_group.7caf7d16-5db9-4f4f-8864-d4c6e711c686

Autor, S. (s.f.). Resumen y análisis de El Secreto de sus Ojos, de Juan José Campanella. Obtenido de Tu Resumen: https://turesumen.com/cine/resumen-y-analisis-de-el-secreto-de-sus-ojos-de-juan-jose-campanella/#mipdf

Barbieli, C. (08 de Julio de 2025). El secreto de sus ojos: La película argentina ganadora del Óscar llega a Netflix. Obtenido de Marie Clarie: https://marieclaire.com.mx/secreto-de-sus-ojos-pelicula/

Campanella, J. J. (Director). (2009). El secreto de sus ojos [Película].

Ortega, B. (14 de Febrero de 2025). ¿Por qué 'El Secreto de sus ojos', el thriller de Ricardo Darín, es tan buena película y se llevó el Oscar? Obtenido de RTVE: https://www.rtve.es/television/20250214/secreto-ojos-thriller-ricardo-darin-alzo-oscar-a-mejor-pelicula-extranjera/16444132.shtml

Reseña de película "EL Zurdo"

 

Por: Alvarado Camarillo Stephany, Celis Sánchez Valeria, Cuahuey Marmolejo Aylin Karely,  Flores López Kenia, Hernández Díaz Ana Leonor.

El Zurdo (2003)

La película de “El Zurdo” del director Raúl Ramón, nos presenta a Toño, un niño apodado el Zurdo, lo que lo hace diferente por no ser alguien diestro en un contexto social en que ser zurdo era algo mal visto, estando obligado a tener que limitar sus habilidades con su mano dominante para encajar en la sociedad, pero cuando no es obligado a usar la mano derecha, saca su verdadero talento, jugar canicas, juega y apuesta con sus amigos canicas, nadie le gana, ni siquiera el niño más rico del barrio, quien se la pasa acusándolo de robo cada que pierde con él (imagen 1), un día llega un personaje misterioso, “El Mago”, quien asegura ser el mejor jugador de canicas del mundo, el Zurdo, dudoso, es incitado por un extraño forastero, aceptando así el reto, pactando el enfrentamiento entre ambos poblados, logrando que las personas del barrio apoyen al pequeño Toño, llegando al día del enfrentamiento, tras un emocionante juego entre ambos, el Zurdo está a punto de ganar, pero antes es amenazado con un arma, siendo el extraño forastero quien le salva la vida.

Imagen 1: Escena de la película, donde el Zurdo acaba de ganar un juego de canicas.

Uno de los elementos narrativos más importantes dentro de este filme son las canicas, aparentemente es un simple juego, pero adquieren un peso simbólico fundamental dentro del relato, representan el espacio de libertad del protagonista, es su refugio frente a la pobreza y la violencia cotidiana, convirtiéndose así en el concepto de la forma dentro del filme, pues este elemento se vuelve el "¿cómo?", dentro de la forma en la que se aborda el tema de la película, representando el anhelo del personaje de poder conservar su inocencia infantil en un mundo que constantemente intenta arrebatársela.

Desde el punto de vista del lenguaje cinematográfico, “El Zurdo” destaca por la fotografía, donde los elementos que dominan son espacios terrosos y luz natural, lo que dota a la historia de un realismo poético que remite al cine neorrealista, teniendo muchos encuadres de planos detalle, con tomas lentas, lo que permite adentrarnos más a la mente del personaje e entendiendo su perspectiva cuando juega a las canicas (imagen 2), así mismo, los planos cerrados en su rostro, nos llegan a mostrar también la vulnerabilidad de una infancia expuesta, cambiando la manera en que vemos al personaje, hasta el final, en donde la posición de la cámara y la luz lo hacen ver que está a punto de ganar, por otra parte, el uso del sonido es preciso, sabe en qué momento debe haber silencio, ruido del barrio y el golpeteo de las canicas, las cuales llegan a sustituir muchas veces el diálogo, pues crean una atmósfera contemplativa y sensorial, lo que ayuda a que el montaje tenga ritmo y poco a poco el espectador se vaya adentrando al mundo del personaje.

Imagen 2: Escena de la película, donde el Zurdo se concentra para tirar en las canicas.

Este filme, muestra una perspectiva de la manera en que las infancias se desarrollaban, principalmente en México en circunstancias muy adversas, teniendo que enfrentarse desde muy chicos a situaciones difíciles para un adulto y aun más para un niño, como la pobreza, la falta de unidad familiar, el enfrentarse a encajar por la presión de los demás, es por lo anterior que es importante dentro del cine latinoamericano, pues funciona como una forma de crítica a la manera en que los niños crecen y se desarrollan, ya que, a pesar de estar basados en la premisa de “El Zurdo” de 1965, este filme busca abordar el tema de la importancia de crear espacios sanos y familiares, mostrando las consecuencias de que no puedan desarrollarse de esta manera, así mismo, este filme retoma otras problemáticas de la época, como la desigualdad social, las creencias de la época o los prejuicios que existen, temas sociales que la mayoría de países latinoamericanos puede sentirse identificado.

En lo personal, esta película es una ventana a un momento social que fue importante en México, utilizando elementos narrativos como las canicas, para darnos un mensaje de aprendizaje, abordando el tema de proteger a las infancias y su sano desarrollo, pero  también retomando otros temas y problemáticas sociales, por lo que mi recomendación es que más gente tenga la oportunidad de ver y disfrutar este filme, que emplea diversos recursos narrativos y cinematográficos para convertir una historia con una situación difícil o cruda, en una historia que conmueva y atrape al espectador, logrando empatizar con los personajes, pero principalmente, con el personaje del Zurdo.

Referencias

Common Sense Media. (s.f.). Zurdo – Reseña de película. Common Sense Media. Recuperado el 5 de             noviembre de 2025, de https://www.commonsensemedia.org/es/resenas-pelicula/zurdo

Ramón, R. (Director). (2003). El Zurdo [Película]. México: Aguascalientes Films / Cebolla Films / Estudios Churubusco Azteca.

SensaCine México. (s.f.). Zurdo (2003) [Reseña y ficha técnica]. SensaCine México. Recuperado el 5               de noviembre de 2025, de https://www.sensacine.com.mx/peliculas/pelicula-56398

Wikipedia. (2025, 5 de noviembre). Zurdo (película). En Wikipedia, La enciclopedia libre. Recuperado             de https://es.wikipedia.org/wiki/Zurdo_(pel%C3%ADcula)

Reseña de película "Akira"

Por: Alvarado Camarillo Stephany, Celis Sánchez Valeria, Cuahuey Marmolejo Aylin Karely, Flores López Kenia, Hernández Díaz Ana Leonor.

 Akira (1988)

Akira (1988) nos introduce a una historia futurista en Neo-Tokio, una ciudad modernista y en decadencia, donde el abuso de poder, la corrupción, la opresión y la violencia son el pan de cada día, lo que contrasta con la imagen que dan los medios de comunicación, aquí los protagonistas son un grupo de jóvenes que conforman una pandilla y reflejan lo que la violencia y decadencia del entorno produce en los jóvenes. Al mismo tiempo el gobierno experimenta en niños los límites del poder de la mente humana mientras un grupo de rebeldes trata de frenarlos para prevenir una catástrofe. La historia aborda, entre otros varios temas, el de la juventud e infancia en un mundo controlado por personas a las que no les interesan estos y que abusan de su poder en todos los sentidos. 

Es una película de animación japonesa estrenada en 1988 del director y mangaka japonés Katsuhiro Otomo, fue producida por TMS Entertainment y por la unión de varias empresas conocida como “The AKIRA Committee”, la película se basa principalmente en la primera parte de un manga homónimo escrito por el mismo director, Otomo, quién también lo adaptó al guion, esta tiene una duración de 124 minutos. 

La película establece un ambiente apocalíptico que mezcla la modernidad, la decadencia y la violencia y nos muestra el miedo al avance desmedido y mal intencionado de la tecnología, pero a lo largo de esta reseña nos gustaría hablar de la manera en la que película nos muestra que las infancias y juventud atraviesan estos ambientes.

La primera escena que se analizará es una memoria/pesadilla de Tetsuo Shima, uno de los miembros de la pandilla antes descrita, en este recuerdo vemos como se conocen Tetsuo y Shotaro Kaneda, quien en el futuro se vuelve su mejor amigo y líder de la pandilla, posteriormente nos muestran como ambos pintan en el suelo y nos podemos dar cuenta de sus deseos y aspiraciones por los dibujos, ya que mientras que Kaneda dibuja peleas entre monstruos y dinosaurios con motos, Tetsuo dibuja una familia, una casa, una ciudad con flores (ver fig. 1.1 y 1.2).

 

  Fig. 1.1: Kaneda y Tetsuo dibujan. “Akira”, Katsuhiro Otomo. (1988).        Fig. 1.2: Dibujos de Kaneda y Tetsuo. “Akira”, Katsuhiro Otomo. (1988).

Después la imagen se corta a ellos jugando en el mismo parque, disfrutando su infancia, en primer plano, allí todo se encuentra en colores claros como: grises, blancos, verde de naturaleza, mientras que en el segundo y tercer plano los edificios parecen monumentales y enmarcan un cielo rojo, color que a lo largo de la película es establecido y usado en el ambiente como señal de peligro, (ver fig. 2.1 y 2.2) como ejemplo del cielo y del uso del rojo.

Fig. 2.1: Kaneda y Tetsuo juegan. “Akira”, Katsuhiro Otomo. (1988).      Fig. 2.2: Takashi ve cómo baja el ejército. “Akira”, Katsuhiro Otomo. (1988).

Después se enfoca a Tetsuo de espaldas, los edificios y el cielo crecen, se vuelve aún más rojo, el niño se va reduciendo en el tamaño del cuadro mientras los edificios se desmoronan frente a él, se hace cambio de eje y ahora la sombras de los edificios crecen hacia él, mientras el pavimento que toca las sombras se va agrietando y cae a un vacío, esto representa como primero las infancias son ajenas al conflicto, tienen aspiraciones y sueños inocentes, hasta que el paso de la violencia se vuelve tan grande que es imposible de ver, lo que hace que se sienta más pequeño e impotente de lo que es, mientras poco a poco las fracturas (económicas, políticas, sociales, culturales) se acercan más y más dejando un hueco que todos sienten, posteriormente en la historia, el pavimento bajo la sombra del propio niño se agrieta, cae para después él mismo desvanecerse con pavor, lo que muestra que al final también fue consumido por la violencia y sus fracturas, que tarde o temprano (como se nos revela al final de la historia) esto va a acabar con su existencia. 

Otro ejemplo que nos gustaría abordar es la representación de los niños en el filme, los únicos niños son en quienes el gobierno experimentó para desarrollar en ellos la consciencia absoluta, de los cuales solo sobrevivieron tres, y ahora esos niños cuentan con características propias de una persona mayor, como arrugas en la cara y  cabello canoso (ver fig. 3.1). Lo que se puede entender como el peso de la guerra, que hizo que tuvieran que crecer rápido, dejar la niñez atrás y asumir otros roles ajenos a su edad y capacidades para sobrevivir, en contra de su voluntad. 

Fig. 3.1: Tetsuo está por escapar. “Akira”, Katsuhiro Otomo. (1988).

Cuando Tetsuo pierde el control de los poderes de Akira, este se convierte en una masa que absorbe todo y a todos los que toca y esa masa adquiere, en varias partes, la forma de un bebé gigante (Ver. Fig. 4.1), en un punto se traga al Coronel Shikishima, a Kaneda y a su propia novia, Kaori, lo que en conjunto puede representar que las infancias son las que absorben todo, lo dañado, lo que iba a ser y en momentos de crisis su cuidado consume a sus seres amados al estos querer protegerlos de la situación.

 

Fig. 4.1: Tetsuo pierde el control. “Akira”, Katsuhiro Otomo. (1988).

En conclusión, lo que se ve retratado en el filme sobre las infancias y juventud, que son las que llevan la historia, nos indica la incidencia que los niños tienen en los conflictos armados así como algunos de los efectos que ellos se llevan como resultado de estar inmerso en estas circunstancias, como el tener que crecer más rápido, dejar atrás sus deseos e intereses, cargar el peso del futuro que cae a pedazos y desindividualizarse, quebrarse y desvanecerse en el aire sin que nadie sepa su nombre que puede resumirse en la última explosión de Akira, donde los tres niños y Tetsuo se vuelven luz después de unirse y lentamente desaparecen. 

References

Akira (anime) | Wiki Akira | Fandom. (n.d.). Akira Wiki. Retrieved September 23, 2025, from https://akira.fandom.com/es/wiki/Akira_(anime)

Lydon-James, I. (2023, Febrero 01). Akira: It’s Impact, Legacy And Why You Need To Watch It. Retro Headz. https://www.retroheadz.com/classic-movies/akira-why-you-need-to-watch-it/

Ōtomo, K. (Director). (1988). Akira [Film]. Netflix. https://www.netflix.com/mx/title/60021103

Reseña de película "Kinky Boots"

Por Aylin Karely Cuahuey Marmolejo, Ana Leonor Hernández Diaz, Stephany Alvarado Camarillo, Valeria Celis Sánchez, Kenia Flores López.

Kinky Boots (2005) es una película de origen británico del género de comedia musical. El filme nos narra la historia de Charlie quien es hijo de un zapatero y empresario, el cual fallece dejándole la responsabilidad del futuro de la empresa. Al comenzar una industrialización donde lo extranjero puede ser mas barato y rápido, deja atrás a empresas locales quienes ocupan tiempo y dinero para asegurar su producto. Haciendo que la fabrica que ahora es de Charlie se vea en un conflicto económico y un futuro incierto. Por azares del destino, Charlie se interpone en el acoso que Lola está sufriendo, sin saber que esa mujer seria su nuevo mercado. Lola, quien es una Drag Queen le plantea una idea que Charlie nunca podía haber notado antes, la escasez de botas para Drag Queens, la mayoría de las botas están pensadas para mujeres cisgénero, por lo cual, los tacones de estas mismas; no tienen la estabilidad para soportar el peso de una Drag. De esta manera comienza nuestra historia, Lola y Charlie deberán encontrar una solución para este problema y crear algo que nunca se ha visto antes, una línea de botas para Drag Queens.

Dirigida por Julian Jarrold, escrita por Geoff Deane y Tim Firth, con la composición musical de Adrian Johnston y fotografiada por Eigil Bryld. Kinky Boots cuenta una historia basada en hechos reales, Steve heredó la fábrica de calzado de su padre en Northamptonshire, Inglaterra. La empresa, que había producido botas para soldados durante las Guerras Mundiales, estaba al borde del cierre, lo que obligó a Steve a despedir a muchos empleados. Sin embargo, una llamada telefónica inesperada le dio un giro a la situación. Con una duración de una hora y cuarenta y siete minutos, Kinky boots nos hablara de la resiliencia, los estereotipos y expectativas.

En esta reseña queremos analizar acerca del tema de los estereotipos y las expectativas que debemos cumplir según dicta nuestro género.
Después de la repentina muerte de su padre, Charlie debe optar por empezar a despedir a algunos trabajadores y recortar gastos, sin embargo, el discurso de una empleada hace resonar en su mente una nueva posibilidad “cambia el producto…” (Min 20:20). En la crisis de buscar nuevamente tiendas que vendan su producto, Charlie conoce a Lola, quien estaba haciendo acosada por algunos sujetos por su manera de vestir. Unas botas rojas vuelven a aparecer en la mente de Charlie, recordando la escena que vivió aquella noche (Imagen 1).

Imagen 1.  Charlie recuerda las botas de lola. Kinky Boots, Julian Jarrold(2005) 

La película desarrolla a cada personaje con los zapatos que usan por lo cual veremos muchas analogías a su calzado. Podemos observar todo un desenlacé en los zapatos de cada individuo, dándonos una historia sumamente llena de color y texturas para hacer la representación de cada uno de los integrantes principales del filme. De esta forma se nos presenta nuevamente a Lola, una drag queen que se distingue por el rojo de sus botas y su carácter fuerte, divertido y coquetón, quien ahora no solo es la prueba base para la creación de las botas, sino que también es la diseñadora creativa de las seis botas que se realizaran para la pasarela de Milán, en la cual se dará a conocer el rebranding de la empresa.
De esta manera abordamos nuestro próximo punto, la empresa. La empresa es un mundo nuevo para Lola, quien resalta por su forma de ser y que aun teniendo un puesto de predominio sufre de exclusión por parte de algunos trabajadores al igual que de Charlie, que, por su ignorancia, llega a desacreditar el trabajo de Lola.

Imagen 2.  Charlie esconde a Lola. Kinky Boots, Julian Jarrold (2005) 

El desprestigio de Charlie hacia Lola es evidente inclusive, por ella misma, pero lo deja pasar “Hago todo lo contrario de lo que me dicen…” (Min. 34:06) eso dijo Lola la primera vez que Charlie la llevo a la fábrica y en el intento de esconderla de sus trabajadores, Lola hace su propio camino para llegar a la cabina de trabajo (Imagen 2). Hasta cierto punto Lola puede tolerar esta exclusión, pero cuando llega a la fabrica con una ropa de colores mas neutros como la mayoría de los trabajadores y aun así recibe el acoso por parte de uno de ellos es cuando se limita a recluirse.
Cuando Lola se recluye en el baño, Charlie decide ir en su apoyo, pero pareciera que no puede evitar que los estereotipos de los cuales conoce (lo que es ser masculino) salgan de su boca, sin embargo, en algún punto ambos concuerdan, los dos siempre quisieron encajar y mezclarse en el mundo que sus padres les platearon, buscando una aceptación por sus figuras paternas, queriendo cumplir con una expectativa de ser el hijo perfecto, pero fallando en ello (Imagen 3).

Imagen 3.  Charlie y Lola hablan de sus padres. Kinky Boots, Julian Jarrold (2005) 

Aun con sus diferencias Charlie le confiesa que el mundo de Lola también es desconocido para él “De lo que no te has dado cuenta Lola, es que este tampoco es mi mundo…” (Min 40:55) de esta manera, existiendo una nueva forma de ver sus “mundos”. De aquí en adelante, veremos como Charlie y Lola mejoran su relación hasta formar una cierta amistad. Pero la pregunta de ¿Qué es ser un hombre? seguirá presente. “¿Qué crees que debería hacer para ser mas hombre?” (Min 58:53) Lola le hace la pregunta a Don, quien es un empleado que la acosa continuamente por ser diferente a lo que él conoce de lo masculino (Imagen 4). Aunque Lola confronta en esta ocasión a Don y su relación con Charlie va mejorando.

Imagen 4. Lola confronta a Don. Kinky Boots, Julian Jarrold(2005)

En una cena para conmemorar el trabajo arduo por tener la colección completa, Charlie decide nuevamente denigrar los aportes de Lola “Soy un diseñador de zapatos, Charlie…Eres eso y también un hombre con vestido” (Min. 1:19:43) en ese momento la amistad que Lola creía haber creado con Charlie se desvanece. Ahora, Charlie se ve conflictuado por tener que resolver el modelaje en la pasarela de Milán pues reconoce que su actuar con Lola no ha sido el mejor y entiende muy a regañadientes que deberá resolverlo por su cuenta.

Así es como toma la decisión de ser su propio modelo y se presenta con las botas características de Lola, unas botas de rojo vibrante, las cuales hacen aludir que Lola sigue impregnada en Charlie, sin embargo, por el nulo conocimiento de Charlie para caminar en botas de tacón alto, termina resbalando y siendo la burla de la pasarela (Imagen 5)

Imagen 5. La aparición de Lola. Kinky Boots, Julian Jarrold (2005) 

Como si de un milagro se tratara, Lola reaparece de la misma forma que en el principio de la película. Con una toma de las botas frente a la cara de Charlie, es como Lola resurge para apantallar al publico con un tema musical digno de su cabaré, salvando no solo el espectáculo, sino que también la empresa de Charlie. “Yo por ejemplo no sé lo que es ser un hombre … pero sí sé que, si consiste en ser valiente, tú eres mucho más hombre de lo que yo seré nunca” (Min. 1:34:07) finalmente terminamos con el mensaje de voz que Charlie le envió a Lola antes del show. En este punto, Charlie decide dejar sus prejuicios y entender un poco la forma en la cual Lola decide expresar su género, el cual solo es un constructo social que limita el comportamiento que deben cumplir tanto hombres como mujeres. Pero hay personas como Lola, quien simplemente quieren ser libres y expresar su manera de ser sin tener que seguir un lineamento (Imagen 6)

Imagen 6. Mensaje de Charlie a Lola.  Kinky Boots, Julian Jarrold (2005) 

Kinky Boots es una película, aunque llena colores vibrantes y números musicales, decide abordar un poco de temas como el género y la cierta desinformación que existe acerca del tema. Aunque la película ya tiene veinte años de su estreno, hace todo lo posible para poder cuestionar a la audiencia de la discriminación que puede realizar a personas que no cumplen con su modelo de comportamiento.
 
 
 
 
 
Referencias

De Salud Y Protección Social De Colombia, M. (n.d.). Género. https://www.minsalud.gov.co/proteccionsocial/promocion-social/Paginas/genero.aspx

Keaton, C. (2025, January 7). From the Soul to the Heel: The Story behind Kinky Boots — Market Theatre | Anderson, SC. Market Theatre | Anderson, SC. https://markettheatre.org/blog/soul-to-heel

Kinky Boots (2005) - Elenco y equipo completo - IMDb. (n.d.). IMDb. https://www.imdb.com/es/title/tt0434124/fullcredits/?ref_=tt_cst_sm

Kinky.Boots.Pisando.Fuerte.Spanish.XviD.MP3.DVDRip.By.FREAK.TEAM. (n.d.). [Video]. OK.RU. https://m.ok.ru/video/217398708912